Bip-art : Blog de chroniques de concerts, d'albums, d'expositions de peinture et photo

Expo Art Nouveau Revival - Musée d'Orsay

Exposition Art Nouveau Revival au Musée d'Orsay

Exposition Art Nouveau Revival au Musée d'Orsay

L'Art Nouveau qui au tournant des XIX^e et XX^e siècles, s'était donné comme mission la rénovation du cadre de vie contemporain - architecture et décor intérieur -, est l'objet, à partir des années 1930 d'une réévaluation. Un nouveau regard est alors porté sur le dynamisme de ses jeux de lignes et l'audace de ses harmonies colorées. De nombreux domaines sont conjointement touchés par le phénomène : histoire de l'art, marché de l'art, décoration intérieure et création contemporaine (design et graphisme). Le propos de l'exposition Art Nouveau Revival est de montrer les divers cheminements de cette redécouverte.

Expo Art Nouveau Revival - L'hommage des surréalistes

Les surréalistes sont les premiers à rendre hommage à l'Art Nouveau aux travers des oeuvres de Dali, Man Ray ou Brassaï présentées à l'expo.

Expo Art Nouveau Revival - Le design organique

Au cours des années 30, le designer finlandais Alvaro Aalto conçoit des formes sinueuses en apparence libres, utilisation de matériaux naturels, recherche d'expressivité plastique, qui font de lui le fondateur du design "organique". Vaisselles, intérieurs et mobiliers regroupées dans la salle 2 du Musée d'Orsay sont autant de représentations stylisées du monde végétal et animal propre à l'Art Nouveau.

Expo Art Nouveau Revival - Psychédélisme

Au milieu des années 1960, les graphistes psychédéliques intégrèrent toutes les inventions de l'Art Nouveau dans le domaine des signes et des images. Affiches et pochettes de disques  constituent un champ d'expression privilégié. Les créations font appel aux sens plus qu'à la raison. Elles sont fondées sur des jeux de courbes et de contre-courbes. Le lettrage perd son indépendance pour vivre au rythme de la composition et participer à la fluidité de l'image, suggérant les ondes sonores des concerts des groupes rock et pop.

Expo Art Nouveau Revival - Naturalisme

Comme au temps de l'Art Nouveau, les artistes plasticiens participent, dans les années 1960, à l'élaboration d'un cadre de vie alternatif et quelque peu contestataire. Les artistes furent encouragés à développer leur conception de l'objet usuel qui ne relevât point de la problématique du design mais privilégiât la notion de décoratif. La scène artistique renoue alors avec le vaste projet de l'Art Nouveau de saisir la nature, de la capter dans sa diversité et de la restituer dans le cadre de vie de l'homme "moderne".

Exposition Art Nouveau Revival au Musée d'Orsay jusqu'au 30 janvier 2010. Toutes les informations sur l'exposition Art Nouveau sur le site du Musée d'Orsay.

Grand Palais - Art en capital 2009

Mardi dernier petit tour au vernissage du salon Art en capital au Grand Palais. Le Grand Palais est transformé en gigantesque "foire à tout" en regroupant peintres, sculpteurs, plasticiens d’aujourd’hui. Le principe est un artiste, une oeuvre. Les réalisations exposées sont très hétéroclites. Impossible de ne pas trouver une peinture ou une sculpture qui vous plaise. Néanmoins le visiteur est vite décontenancé par la profusion de genres, de styles, de techniques employées, de couleurs... exposée au Grand Palais.

Du 03 au 09 novembre 2009 au Grand Palais
Site Internet du salon au Grand Palais : Art en capital au Grand Palais

Musée d'art moderne - Exposition de peintures Albert Oehlen

Le nom de l'exposition : Réalité abstraite ?

"Réalité abstraite [Le titre de l'exposition au Musée d'art moderne] provient d'un disque d'un très bon groupe de métal "Nasty Savage", qui porte aussi un excellent nom. je ne l'ai pas trouvé sérieux. [...]Ce titre est un peu dingue. Il sonnne comme s'ils voulaient être abscons, difficile à comprendre. J'aime ça quand on le comprend comme un juron, comme une maladie ou comme le désordre. Et cela est très proche de ma définition de ce qu'est mon travail." En ces termes Albert Oehlen, explique son choix de nommer l'exposition, qui lui est consacrée au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, "Réalité abstraite".

Albert Oehlen : un peintre allemand

Né en 1954 en Allemagne, Albert Oehlen a pris une part prépondérante dans le renouvellement de la scène artistique allemande dans les années 1980. Il aborde alors différents modes d'expressions (peinture, illustration, musique, édition,...) mais il considère toujours la peinture comme la forme d'art visuel ultime. Le dynamisme de ses toiles émergait d'un flux discontinu de lignes et de couleurs. Aujourd'hui les peintures d'Albert Oehlen accordent plus d'importance aux couleurs. Cependant si les oeuvres présentées au Musée d’Art moderne paraissent plus apaisées que ses peintures antérieures, le raffinement de leurs couleurs ainsi que la technique empruntée à L'Action Painting sont encore contrariés par le graphisme primaire des affiches et des images contrecollées sur la toile.

Les peintures d'A. Oehlen : technique

"Pour des raisons techniques, je dois commencer avec le papier. Je travaille avec des couleurs à l'huile et elles ont toujours le dernier mot. J'essaie de n'utiliser que des matériaux trouvés. Certaines images sont reproduites parce qu'elles proviennent de coupures de journaux ou de quelque chose de très petit. j'ai le même problème quand j'essaie de travailler à partir d'esquisses. Tous s'assemble trop bien et je ne suis jamais satisfait, à moins que ce soit le résultat d'une lutte. Quand je sais dès le départ ce que je veux faire à (ou avec) l'image en papier, la peinture est déjà perdue. C'est pourquoi j'aime utiliser des matériaux originaux et non pour leurs auras ou les différentes qualité de papier..." (Albert Oehlen, 2009).

L'expostion est bien présentée. Le beau volume de la salle d'exposition permet au visiteur de prendre le recul nécessaire pour admirer les grandes peintures d'Albert Oehlen.

Musée d’Art moderne de la Ville de Paris
Jusqu'au 3 janvier 2010

Gustave COURBET au Grand Palais

L'exposition rétrospective de la carrière du peintre Gustave COURBET (1819-1877), organisée au Grand Palais, était présentée par tous comme L’EXPOSITION de la rentrée. L’ambition de cette rétrospective est d’ « offrir une nouvelle lecture de l’œuvre du peintre ». L’exposition présente des peintures moins connues comme les scènes de chasse et les natures mortes peintes à la fin de sa vie.

Néanmoins je trouve que les tableaux les plus connus (L’origine du Monde, Le Désespéré) de COURBET restent les plus intrigants et les plus originaux.

A noter le très réussi mini site dédié à l’exposition, dont un diaporama des tableaux essentiels (L’origine du Monde, Le Désespéré, ...)  de l'oeuvre de COURBET.

Jusqu’au 28 janvier aux Galeries nationales du Grand Palais.

RUBENS, l’atelier du génie

L’exposition de peinture RUBENS, l’atelier du génie, est le fruit de 4 ans de recherches. Les œuvres attribuées à RUBENS et à son atelier ont fait l’objet d’études tant historiques, qu’artistiques et technologiques. Il s’agissait d’une part de réévaluer ces attributions et d’autre part d’approfondir la question du processus créatif de la répartition des tâches entre le maître et ses collaborateurs. Les résultats, parfois surprenants, forment la base de l’exposition qui montre pour la première fois les tableaux dans leur “contexte de création”. Six sections, consacrées chacune à un aspect différent de l’atelier, permette au visiteur de mieux comprendre la manière dont RUBENS et son équipe travaillaient.

Cette exposition de peinture nous plonge dans le travail de création et de réalisation des œuvres de RUBENS. On y découvre notamment que RUBENS a beaucoup étudié ses paires. Il collectionne et retouche les tableaux et les dessins d’autres artistes. Par cette pratique, il veut non seulement améliorer leur art mais aussi "l’améliorer".

Pour satisfaire à la profusion de commandes et à la demande des amateurs d’art, RUBENS a recours au travail collaboratif. Sur bon nombre de ces tableaux, il ne réalisa que les esquisses ou les parties majeures des œuvres pour laisser le reste de la réalisation à ses assistants. De plus, le 17ème siècle voit se développer une nouvelle de catégorie d’amateurs d’art friands de tableaux réalisés à "plusieurs mains" c'est-à-dire par différents artistes, chacun selon sa spécialité. RUBENS travaille avec des collaborateurs de renom dont Frans Snyders, Jan Brueghel l’Ancien et Antoon van Dyck.

Un livret, très bien fait et offert, accompagne le visiteur tout au long de l’exposition afin de lui faire découvrir les découvertes les plus intéressantes.

RUBENS, l’atelier du génie aux Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique jusqu’au 27 janvier 2007

BEAUBOURG

La collection permanente du Centre Georges Pompidou a rouvert ses portes au public en avril 2007.

Les collections d’art moderne.

Le Musée déploie les collections d’art moderne (1905 aux années 50) sur la totalité du niveau 5.Peintres (Picasso, Braque, Léger, Miro, Kandinsky), photographes (Man Ray, Brassaï), sculpteurs (Giacometti), architectes (Chareau), designers (Prouvé) témoignent de l’ouverture et de la cohérence de la collection.

Les collections d’art contemporain.

Le principe chronologique, choisi comme fil conducteur de l’accrochage des œuvres, laisse régulièrement place à des échappées thématiques. L’espace réunit tous les grands artistes de la seconde moitié du 20^ème siècle.

Tous à Beaubourg !

HERVE LOILIER

HERVE LOILIER est né à Paris en 1948. Ses nombreux voyages (en Orient et à Venise) ont développé son imaginaire. Depuis quelques années son inspiration se nourrit de ses voyages en Orient et au Moyen-Orient. Ses compositions mélangent, dans des tons ocres et lumineux, ses croquis réalisés sur place et les visions mystiques de son imaginaire. HERVE LOILIER transforme ce qu’il voit et surtout ce qu’il ressent face au sujet. Sa peinture est à la fois réservée et chaleureuse, à la fois discrète et pourtant communicative.

HERVE LOILIER expose en permanence à Paris, 26 Place des Vosges à la Galerie Marciano.

www.galerie-marciano.com

TOM CHRISTOPHER à la Galerie Taménaga

TOM CHRISTOPHER est né à Hollywood en 1952. Il a passé sa jeunesse en Californie du Sud, terres des automobiles tape-à-l’œil et des rues baignées de soleil. Ces deux éléments vont alimentés les compositions de TOM CHRISTOPHER. Les tableaux de TOM CHRISTOPHER mettent en scène des personnages et des voitures, racontent des histoires à épisodes, dans des tons exacerbés non naturels.

La ville de New York inspire l’art de TOM CHRISTOPHER depuis 20 ans. L’artiste s’intéresse à la lumière et à l’atmosphère de New York qui varient selon les saisons. Le penchant vers l’expressionnisme s’affirme de plus en plus au fil des années dans l’œuvre de TOM CHRISTOPHER.

Son thème principal réside dans une gestion de temps particulière, entrée dans le langage commun sous la dénomination de « minute new yorkaise » ; 60 secondes dans les quelles une série d’événements se produit à toute vitesse.

A voir 59 tableaux récents de TOM CHRISTOPHER.

Mes préférés :  11. Drop Site #14

31. Lady Wipenrod’s New Office in the Brill Building

44. Annie’s Quest

Du 5 au 26 octobre 2006 à la Galerie Taménaga

18 avenue Matignon

75008 Paris

www.tamenaga.com

Le douanier ROUSSEAU au Grand Palais

Henri Rousseau (1844-1910) se mit à la peinture en autodidacte à l’âge de 42 ans. Le douanier Rousseau est un peintre surprenant. La naïveté est sans conteste le mot qui définit le mieux son œuvre. Longtemps son style n’a suscité que moqueries et sarcasmes. Mais, peu à peu cette naïveté, naturelle selon certains, feinte et entretenue selon d’autres, va distinguer Rousseau de ses pairs. L’art brut, le surréalisme et indirectement le fauvisme lui doivent beaucoup.

Rousseau est toujours là où on ne l’attend pas.

Compositions minutieuses (Un soir de carnaval, 1886), visions naïves des villes qui se jouent de la perspective, toiles défiant toute rationalité (Deux singes dans la forêt vierge, 1909 – deux singes hilares posent pour le peintre au milieu de la jungle), les portraits-paysages, les célèbres jungles.

Rousseau n’a qu’un seul but : entraîner le spectateur dans un rêve éveillé.

À noter que l’attente n’est que de quelques minutes pour rentrer, même le week-end.

Toutes les infos sur l'exposition, sur le site du Gand Palais

REMBRANDT ET LA BIBLE à l'Institut Néerlandais

   Les Trois Croix (1653)

La Collection Frits Lugt à l'Institut Néerlandais comprend un ensemble exceptionnel de gravures de REMBRANDT. Elles ont été réunies par Frits Lugt (1884-1970), amateur accompli, qui s'affirma dès sa jeunesse comme un collectionneur et un connaisseur hors pair.

En cette année REMBRANDT (on célèbre les 400 ans de la naissance de REMBRANDT), l’Institut Néerlandais présente l’essentiel de son fond en organisant  celui-ci autour de quelques thèmes chers au Maître : scènes bibliques, paysages, scènes de la vie quotidienne et de l’atelier, portraits de son épouse, de sa mère enfin …

La première de ces expositions, qui s’étaleront sur toute l’année, s’intitule REMBRANDT ET LA BIBLE.

Les eaux-fortes de REMBRANDT illustrant la Bible appartiennent aux images les plus émouvantes de son œuvre gravée. La plupart des sujets sont traités dans un style narratif. Inspiré par les œuvres de ses prédécesseurs, notamment par celles de Lucas de Leyde, REMBRANDT renouvelle sans cesse les sujets. Parmi les quelques soixante gravures illustrant l’Ancien et le Nouveau Testament, il évoque les événements bibliques d’une manière inégalée, qu’il s’agisse d’une petite scène familiale Abraham caressant son fils Isaac (vers 1637) – ou d’une planche théâtrale comme Jésus-Christ présenté au peuple (1655), celle-ci et les Trois Croix (1653) constituant les plus grandioses compositions de REMBRANDT, entièrement exécutées à la pointe sèche et maintes fois remaniées.

Certaines œuvres fascinent par le travail effectué sur la lumière. L’annonciation aux bergers (1634), gravure grandiose, est l’une des premières « nocturnes » dans l’œuvre de REMBRANDT. L’adoration des bergers (1652) surprend avec un effet de clair-obscur très marqué, obtenu grâce à la combinaison de l’eau-forte, de la pointe sèche et du burin sur la planche plusieurs fois retravaillée.

Chaque gravure est accompagnée d’un texte explicatif, qui permet de comprendre les passages de la Bible et l’approche artistique de REMBRANDT.

Jusqu’au 26 mars.

Toutes les infos sur le site de l’Institut Néerlandais